经过48小时的激烈战斗，由尊正举办的，位于蛇口花样年美年广场的Gaia48电影节，于2018年1月14号19:10正式截止作品的。 Gaia48电影节是指创作人或团队从获知主题开始，在2天（共计48小时）的紧张时间内集中创作，根据主题编写剧本、绘制分镜、拍摄、剪辑、配乐、调色，最后成片的完整电影创作活动。
参赛者在参赛过程中必须把日常学到的技能和知识全面应用在拍摄和制作过程中。这是一个充满机会与可能的平台，无论是成就斐然的专业人士，还是热情澎湃的行业新人，大家都站在同一战线。如何在更低的成本、更短的时间内创作出更好的作品，是48小时电影的困难和挑战。
1月12号18：30分，开题仪式正式，评委Steve Hullfish、Jeff Greenberg、深圳大学黄晓东老师发表了对电影节的美好祝愿，同时号召更多热爱电影的人参与到Gaia48电影节的活动中。稍后所有的团队按序抽取题卡。题卡由3个字符组成，每个字符分别代表了不同的主题、台词、道具，三个组成电影限定。之后在19：10正式公布题目，紧张的48小时制作由此展开。
来自海南的大学生小孙，刚好考完期末考，与朋友约定一起到深圳参与Gaia48电影节。原本组建了约20人的团队，但大多数在最后关头都放飞机了，最终到达深圳的只有3人。1月12日抽完题目后，又一个制作人员与团队闹翻，第二天坐车离去。小孙与仅存的队友冥思苦想，最终出了两版剧本。但在和演员的沟通中又再次出现演员罢演的问题，眼看都没法继续拍摄，准备弃权。队友愣是与演员沟通大半夜，苦口婆心将演员劝回来。
来自广州的小K，带着近10人的团队来参加Gaia48电影节，两天时间里，团队只休息了几个小时。千辛万苦，在14号早上完成所有镜头，进入后期，并在18：50完成最终制作开始输出。坐在Gaia Cafe等待输出小K十分紧张，能不能按时作品，就要看输出消耗的时间了。而电脑并没有给他面子，慢悠悠的运行，最终仅仅只差2分钟，错失了评选的资格。
来自的小A，出于对电影的爱好，只身一人来到深圳。她毕业后一直从事游戏工作长达八年，却始终没放下自己的梦想。此次参与Gaia48电影节，在Gaia48人才园中找到了自己的团队。48小时的紧张制作后，终于实现自己多年来的电影梦，完成了自己的电影，同时也认识了许多志同道合的朋友。
大赛最后总共收集到79个作品，其中11个超时，1个弃权。并于1月16号12：00正式人气投票。对于超时的影片，尽管已经失去评的资格，但我们不会放弃其参与的热情，将与参赛影片一同参与导师评分、人气投票。
线下，你可以来蛇口花样年美年广场Gaia Cafe内观看大荧幕投影。叹一口咖啡，尝一口欧包，再看看优秀的影片，也是周末放松的好去处。
48小时电影节是一种全新的玩法，将焦点放在电影制作者身上，强调创造力和团队。这不只是一个人的舞台，尊正希望参赛团队能在拍摄中，充分发挥每个队员的实力，通过影视制作流程间的紧密合作，完成拍摄任务，最终收获优质影片。参赛者也因此能在创作中建立人脉，为日后的影视道结识良师益友。
48小时电影是经过发达电影体系实践的，符合电影拍摄和制作技能训练要求的有效方法。重点是“做”而不是“说”，每个参与进来的人，无论参赛与否，都将收获满满。
Gaia48 赛事请来Dan Moran、Richard Harrington、Robbie Carman、Patrick Inhofer、Steve Hullfish、Jeff Greenberg等6位专业的、享誉国际的影视大师担任评委。同时，邀请了崔巍（知名调色师、DIT、Adobe，AboutCG联合创始人），黄晓东（深圳大学国家级传媒实验中心副主任）作为特别嘉宾，一同为Gaia48电影节参赛影片评比点评。Gaia48期间，组委会根据赛前赛后的时间，为参赛人员和没有参赛的爱好者，开设国际一线的影视课程。其中包含赛前自学的线上集训课程，线下影视全流程集训和达芬奇剪辑、调色培训。
尊正此次开办Gaia48电影节，通过这个方式聚集所有的影视爱好者，一起发展国内影视工业体系，影视工业色彩管理和影视新技术。组委会通过Gaia48电影节帮助更多的真正喜欢这个行业的梦想者,实现梦想。不管你用的是专业器材、或者是单反、微单，甚至是手机，都可以拍出耐人寻味的影片。在电影节后，组委会将收集的中国本土化特色的素材、影片、剧本，与美方提供的先进影视技术、一流的制作流程相结合，通过尊正搭建出良好的沟通桥梁。推动制作出更多优秀的本土化影片，并希望因此国内的影视工业能迈出更的脚步。
主办方设立了Gaiamount电影科学与艺术学院，学院内具备：虚拟演播室、4K放映厅、录音室、混音室、调色室、剪辑房、色彩实验室，是一个功能强大，设施齐全的场地。并于电影节期间，展示部分场地，让更多的爱好者更加深入的了解影视工业体系。Gaia Cafe（盖雅小筑）也同期开业，这是一个集休闲、电影、器材、餐饮为一体的咖啡馆，将是每个影视人讨论、学习的最佳地点。
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对摄影指导和导演来说，使用哪种画幅宽高比是一个在创作上关键性的决定。它构建了用以讲述故事的画布，也能塑造故事对观众情感的影响。
宽高比是指图像宽度和高度的相对关系。在电影术语中，我们总是用小数指宽，用1指高，比如1.33:1、1.66:1和1.85:1等等，而在视频术语中，我们则用整数代表:4:3、16:9。视频宽高比与电影宽高比的转换很简单，用高值除以宽值即可。例如，4÷3=1.33。
在电影发展初期，仅有一个基本宽高比:1.33:1，这一标准的形成要归功于威廉·肯尼迪·迪克森(WilliamKennedyDickson)。他在当时为托马斯·爱迪生(ThomasEdison)工作。威廉被布置了任务，将伊士曼柯达(East-manKodak)的弹性用在爱迪生的Kinetoscope电影放映机中，来循环放映动态影像。迪金森选用了35mm宽的，两边都有我们称之为“爱迪生片孔”的孔洞，他决定每一帧为4个片孔的高度。由此便产生了尺寸为0.95x0.735英寸的图像，这个尺寸的图像在影院放映中又被略微剪裁，产生了1.33:1的画幅宽高比。
1909年，电影专利公司(爱迪生为控制美国所有电影制作和放映创立的一个组织)宣布，35mm宽、四片孔高成为美国电影放映的行业标准。此标准盛行至1929年。那一年，有声电影出现了，这就要求放映上需要留有一定的空间给光学音轨。于是图像区域的宽度稍微缩小了，从0.95英寸(24.13mm)变为0.868英寸(22.04mm)——但是放映宽高比仍为1.33:1。尽管音轨只被添加在供放映用的中，但摄影用的电影负片上也留出了音轨的空间。
1932年，美国电影艺术与科学学院(成立于1927年，大约在爱迪生的电影专利公司被反托拉斯和反垄断裁决解散12年之后)投票决定稍微缩小每帧的高度，从0.735英寸(18.67mm)变为0.631英寸(16.03mm)。新的宽高比就变成了0.868x0.631英寸，即1.375:1，通常称为1.37:1，这就是著名的学院标准。但是，放映比例仍然是1.33:1。
多不同的宽高比，但是1.37:1很快就被接受了，并在接下来的二十年里一直占据电影宽高比的地位。直到1952年，宽银幕立体电影(Cinerama)的到来打破了这一局面。
宽银幕立体电影是由弗雷德·沃勒(FredWaller)创造的。宽银幕立体电影的拍摄需要使用三台35mm摄影机，这三台摄影机互相紧挨着安装，且装有27mm固定焦距镜头，画幅的高度为六个片孔。Cinerama的放映需要用到三台放映机，图像会被投射到一个巨大的曲面银幕上，这就生成了极宽的图像，它的宽高比在2.59:1和2.65:1之间切换。使用这套系统制作的电影只有寥寥数部，其中包括《西部开拓史》和《奇妙世界》。但是这种格式的首部宣传电影《这是宽银幕立体电影》受欢迎程度之高，促使了当时的各大制片厂开始研发它们自己的宽银幕技术。
与此同时，采用1.33:1宽高比的电视在美国家庭越来越受欢迎，这各制片厂尝试一连串技术(有人可能会称之为“”)将观众带回电影院。当时出现了立体声、3D电影，甚至还有威廉姆·卡索(WilliamCastle)的“Percepto”，是把震动装置安装在特定的座椅上，让观众感受突如其来的颠簸。但是，真正经得起时间的新潮玩意只有宽银幕。就在20世纪50年代，电影的形状永远地改变了。
《这是宽银幕立体电影》之后的10年间，也就是1952年到1962年，超过20种不同的电影格式纷纷争夺着行业中的主导地位。派拉蒙将《原野奇侠》等宽高比为1.33:1的电影的画幅顶部和底部剪裁掉，产生较宽的1.66:1宽高比;Todd-AO是一种宽高比为2.20:1的70mm格式，它被用在了诸如《俄克拉荷马》、《环游世界八十天》、《南太平洋》和《音乐之声》等电影长片中;MGMCamera65和UltraPanavision70则使用变形镜头，搭配65mm，拍出2.76:1的宽高比，例如《战国佳人》、《宾虚》等;二十世纪福克斯最先在《圣袍千秋》等电影中应用变形技术来生成2.35:1的宽高比;二十世纪福克斯将这一技术称为Cinema-Scope，福克斯还向其它制片厂出售这一技术的使用权;除此之外，还有许多我们未提及的技术。
在众多格式中，有两个主要的宽高比在美国地位很稳固，也很受欢迎:1.85:1和2.35:1。第一种格式1.85:1是通过遮盖画幅顶部和底部生成的。这个过程通常不是在摄影机中完成，而是在放映机中完成，被称为“SoftMatte”。1.85:1的宽高比就是著名的美国宽银幕标准，而同样剪裁画幅的1.66:1宽高比则成为欧洲标准。
2.35:1的宽高比主要通过变形摄影生成，它使用让图像变形的特制镜头，将更宽的水平视野压缩进35mm的可用负片区域。这种图像又通过变形镜头放映，在影院银幕生成2.35:1的宽银幕图像。
1971年，电影电视工程师协会改变了变形宽银幕电影的标准，降低了图像的高度，使之更好地适应的拼接。这一改变将新的宽高比大小定为0.838x0.700英寸(21.29mmx17.78mm)，生成了1.197:1的宽高比，通过变形镜头双倍放大之后宽高比就成了2.39:1。1971年开始，这一宽高比就成为放映标准。尽管很多资料中仍然指出变形宽银幕宽高比是2.35:1，但实际宽高比是2.39:1，这一宽高比经常也被通俗地称为2.40:1。
1993年，标准再一次变化了。这次变化是为了在全格式(变形宽银幕和普通)放映上统一常见放映机的光孔宽度。画幅的尺寸被削减成了现在的标准，也就是0.825x0.690英寸(20.96mmx17.53mm)。这创造了1.195:1的宽高比(有时也叫1.2:1)，变形宽银幕放映的比例保留为2.39:1不变。值得一提的是，这些标准决定的是放映画幅，而不是摄影机片门。因此一些摄影机也许仍能以2.35:1的画幅捕捉图像，但最终放映宽高比会是2.39:1。
尽管1.85:1和2.39:1的画幅在20世纪50年代的格式战争中取得胜利，但也有些别的宽高比延续了下来。并且从那以来，也仍有新的宽高比出现。例如，2.0:1，这一宽高比在1954年诞生时被称为Superscope，它被维托里奥·斯托拉罗(VittorioStoraro,ASC,AIC)重拾，用在他的图像一体化(Univisium)格式中，在数字领域，这一宽高比作为1.85:1和2.39:1的优良混合而受到欢迎。确实，流巨头Netflix已经将2.0:1用作它的一些原创制作的标准宽高比。
20世纪80年代，高清视频出现。得益于工程师科恩斯·H·鲍尔斯(KernsH.Powers)的贡献，一种新的宽高比也应运而生:1.78:1，或称作16:9。它在1.33:1和2.35:1之间起到了一种几何上的联系;提出该宽高比的部分逻辑在于，给16:9的电视屏幕加上宽边几乎相等的垂直遮幅或水平遮幅，便能得到1.33:1的图像和2.35:1(或2.39:1)的图像。这种新的宽高比由此成为了高清视频和现代电视的标准，让许多电影制作者感到懊恼。
2002年，各主要制片厂共同成立了数字电影联盟(DCI)，联盟为数字放映设定了标准，并将1.9:1的宽高比用作以球面镜头拍摄的数字电影发行的“载体”。影院遮幅会把1.9:1裁切成1.85:1，这是设计好的。Imax采用了1.9:1的宽高比作为一些特定数字放映的放映格式;1.44:1是传统Imax15片孔70mm放映的格式，银幕尺寸允许时，这也是Imax数字激光放映的格式。
有趣的是，随着高清视频的出现和20世纪90年代后期直到和21世纪家庭高清影院的普及，家用电视设备再次且持续地让电影制片厂心生恐惧。我们了3D电影的复兴、Imax的数量界范围内增加，以及影院发行电影的平均宽高比愈来愈宽。在1990年的美国，影院放映的宽银幕电影中，宽高比为1.85:1的占80%。而在2010年，只有29%的宽银幕电影宽高比是1.85:1。在这二十年里，1.85:1的电影数量明显呈直线的电影数量则呈同样的直线型增长。
原本使用2.39:1宽高比的多是史诗动作电影，如今占据这一宽高比的则变成了浪漫喜剧和室内剧情片。2016年，美国影院发行的电影中有71%的宽高比是2.39:1、20%的宽高比是1.85:1、还有9%是其它宽高比，包括1.78:1，甚至还有传统的学院宽高比1.37:1。
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说起游戏改编电影，《勇敢者游戏》功不可没，与现在大火的《生化危机》《魔兽》《刺客信条》不同，它并不是基于网络游戏改编，而是一盒神秘的棋类游戏。作为一部当年引进的为数不多的美国，《勇敢者的游戏》绝对是许多八零九零后的珍贵回忆。
电影基于游戏涵盖了许多童年的冒险元素，父亲的制鞋厂，一部埋在土中的尤曼吉”游戏棋，掷骰子身临其境开始游戏冒险，都曾是那个年代的孩子们满满的回忆。在那么多毁童年的续集之后，又迎来了一部好莱坞续集。《勇敢者游戏：决战丛林》 能独善其身么？就凭巨石强森和星云？
答案是：这部续集，不仅剧情和节奏更贴近“吃鸡”，搞笑真能让人虎躯一震，更重要的是——这是好莱坞近年来最成功的烂俗爆米花电影。豆瓣7.3，比起老版的8.0，有差距，但也不失礼。喜剧、热闹、惊险、怪兽、科幻一应俱全，是俗；什么新意、突破，都是不存在的。但，就是好看。因为烂俗到精彩，恰是当下好莱坞最缺乏的能力。
电影和当年的《勇敢者的游戏》，既一脉相承，又割袍断义。怎么说？和当年一样，这一部依然是玩穿越，不过《勇敢者的游戏》是从游戏世界穿越到现实世界，这一部，却是从现实世界穿越到游戏世界。而且，桌游变成了电游，从老虎、狮子、大象在屋子里穿来穿去，变成了一群人去原始丛林组团逃生。这不就是，一部真人版吃鸡？另一个不同，是这部电影，其实有九个主角，四个青少年玩家+四个游戏角色，八种人格交相互动，演到三分之二，又蹦出来一个新角色。这么多人，怎么讲出好故事？电影的办法是：魂穿梗+性别置换。
四个高中生因为各自的原因被罚留校察看，组成了留校F4，结果游戏一时爽，却阴差阳错地打开了沉睡的尤曼吉。随着一连串巨响和不断的电流，几人就被卷进了游戏世界。还——变身？现实中的游戏宅男，变成游戏中巨石强森演出的硬汉近战英雄，不停安慰自己不要哭。现实中的运动男，变成嘴炮小弟凯文·哈特，吃个蛋糕就会爆炸，但却是学富五车的动植物学家。现实中的白富美，变成了胖大叔“功夫熊猫”杰克·布莱克。现实中走低头、完全不敢别人的自卑妹子，变成了游戏中的星云。接下来，好戏开场，这群临时组队的勇敢者天团，必须从险象环生的游戏中胜出，才能回到现实世界。你以为，游戏很轻松？
事实是随时都在死亡边缘，飞车党在穷追猛打想砸死他们;猛兽随时在身后狂奔准备踩死他们。就像巨石强森说的我们在游戏里，我们随时可能会挂。要活命，只有拼命。结果就是，平日里只会在游戏里逞英雄的宅男，在游戏世界里单挑野兽、打飞敌人，战斗力像巨石强森一样凶猛。现实里的运动男，游戏里的矮个子博士，在片中跑得比谁都慢。
这部电影，除了间歇性满足观众荷尔蒙和肾上腺素的需求，重点都放在拼命让观众好笑上。导演杰克·卡斯丹有两招搞笑必杀技，一是角色反转，二是是游戏时间。
巨石强森，演出如此浮夸的动作加表情，演的还是个死宅男，时刻，一副怂逼的表情，你见过？杰克·布莱克教星云怎样做一个去色诱敌人。抛媚眼、甩头发、走猫步，极尽妩媚，你见过？星云这样的，分分钟进入宅女的角色设定，你见过？主角时刻要面临，突然弹出来的索尼广告，还有自动上线的游戏角色自带小知识，一群主角，没被野兽咬死，被飞车党炸死，被飞刀暗算死，但就要被广告和弹幕搞死了。要演这样的角色，就是要让这群演员，变身烂仔帮，行不行？没问题。杰克·卡斯丹又有招：以老带新。两个喜剧老炮，带着巨石强森一起搞笑。
喜剧，巨石强森不是没演过，从《二流警探》到《海滩救护队》。但强森的喜剧值，一直忽高忽低，一句话，就是看人设看对手。这一次，在两个喜剧老咖的引领下，巨石强森的表演，对得起喜剧演员的称号。但最精彩的，绝对是杰克·布莱克。整个人，美少女上身。男生女相，这样的老梗，还少吗？但要让观众受你的老梗，全靠演技带。看别的大男人演美少女，你会胸闷气短，而看功夫熊猫的演出，你会笑出猪叫。怎么有人可以这么真挚地恶搞？
至于星云，还是一如既往地美啊，而这样的动作类型，又仿佛把我们这些科幻死宅带回到她跟着博士全转悠的《神秘博士》。电影最大的改变，就是改掉了原版中儿童题材的故事人物设定，将故事变成老老实实的青少年冒险题材，还觉得不保险，再来一次变身，顺理成章引进巨石强森、杰克布莱克这样的票房+喜剧担当。另一个改变，是将故事时代化。虽然游戏设定依然是老一套，但几个青少年的烦恼，比如没完没了的社交网络和；难以克服的社交障碍，这些充满现代感的青少年问题，却成功建立了代入感。但更重要的，是守。到底什么才是《勇敢者游戏》的灵魂？当年我们以为是目不暇接的特效，现在看来，真正的灵魂，是少年的成长。
什么才是合格的爆米花电影？成功的爆米花电影未必要有伟大的内核，但一定要有及格的三官：器官、感官和五官。合格的故事、情节是基本的器官，及格的视效、场面设置是它的感官，演员入戏的演出，是它的五官。
现实是所有勇敢者的游戏，而这桶合格的爆米花，就像游戏中按下的暂停键，让观众哈哈笑一场，再去面对吃鸡游戏一般的人生。我们看着这部电影，就好像罗宾威廉姆斯没有离去，他就在那个游戏世界里活着，这就是爆米花电影带给我们的美好啊。谁能说，这样的爆米花电影，不值得看？
目前3D立体拍摄应用于很多场景，体育赛事，话剧演出，时装发布会等等，但疑问的是为什么3D摄像机会拍出与人眼相似的立体效果？3D立体制作基本流程是怎样的？面对众多网友提出的问题，小编将问题整理汇总，并逐一对这些问题进行了解答。
原来是因为人的双眼看空间景物能辨别物体的前后深度，也就是景深，所以眼前画面具有一定的立体感。3D摄像机就是采用的这个原理，用两个镜头模仿人眼来进行拍摄，3D拍摄因为有深度，看到的景象和眼睛所看到的景深是类似的，所以3D摄像机会拍出与人眼相似的立体效果。
使用3D立体摄像机采集或由计算机生成3D立体视频信号，将左右视频进行3D调整、叠加字幕、编辑等，最后将左右信号进行3D拼接处理转为适合高清通道的信号。
拍摄前要确定，针对观看受众以及观看方式不同，舒适距离不同。3D立体拍摄时必须用立体器进行监看。佩戴3D眼镜监看3D效果；摘掉3D眼镜查看视差大小以及画面中有无垂直、旋转误差等问题。
摄像机的高度、旋转等与摄像机和角度有关的参数以及焦距和光轴可通过摄像机和机架进行调整，调整时需使用3D立体拍摄专用校正测试卡和具有3D立体测试功能的示波器或器，调整左右眼摄像机和支架，使左右眼图像完全匹配。
为了确保3D立体拍摄两视频同步，可以采用拍摄拍手、拍球和打板等画面，检查左右视频的同一帧关键画面是否一致。
减小聚焦匹配失调的方法是精确挑选配对镜头，使左右眼镜头的焦点尽可能同步；减小焦点误差的方法是精确调整摄像单元在立体支架上的安装，使双摄像单元的焦点平面尽可能保持一致；镜头产生的眩光无法消除，只能在拍摄时尽量避免；反射镜造成的残影只能靠更换高质量的反射镜才能减轻或消除。
2017年12月9日，华漫·亚尚制造在搭建了一个全新的擎天柱，本次擎天柱模型1:1进行线个零件，目前是全中国最牛的。负责本次擎天柱制造与搭建的是华漫集团旗下的亚尚制造，是集外景观雕塑艺术、装置艺术设计、舞美造型设计制作、特殊工艺来样定制为一体的设计制作公司。
歌传媒成立于2006年，在成立之初是一家集策划、拍摄、制作、创意设计的传媒公司，主要从事企业专题片、纪录片、企业标准流程示教片、影视广告的策划及制作，企业CI、VI、品牌视觉设计、书籍设计、活动设计等创意设计，以及各种文化活动的组织、策划、推广等多功能的影视文化传媒公司。经过十一年行业专业领域的沉淀、创新与学习，组建了全息影视制作及沉浸式内容制作团队，自主策划、制作企业专题片、微电影等影视作品。通过性合作，积极对接国内外先进技术，将沉浸式内容制作应用于企业宣传展厅、卖场及大型公共场所，使用户完全置身于虚拟世界之中的感觉，通过高科技产品与用户的交互体验，为企业宣传增加了品牌认知及品牌粘性。
歌传媒经过多年专业领域的积累、专研、创新，歌传媒成功的向科技类制作及开发转型，成立了歌传媒子公司“多方科技”，目前成功对接国内外先进科技技术，致力于智能设计、开源ERP、O2O、人脸识别系统的开发与推广，精准的为不同行业、不同规模、不同应用的企业出具解决方案。
歌传媒设有策划部、摄制组、制作部、创意设计部、客服部及多方科技的智能研发部门专业部门，拥有先进的摄制设备、制作水平及精准的开发推广能力，并通过性的创作合作，全面、精准的为客户解决问题。
歌传媒曾创作过许多成功的作品，精湛的技术、优越的出品、独特的视角、精准的把控成为我们核心的竞争力。
尽管自2012年推出以来，Final Cut Pro X无疑已经发展成为一个更先进，更成熟的视频编辑应用程序，受到来自世界各地新手和专业视频编辑的喜爱。
不久前，苹果公司发布了Final Cut Pro 10.4，该软件有望提供更多的性能增强和界面升级，这些升级主要是基于用户的。在升级中引入了一些非常实用的功能，例如360 VR和HDR的支持，9to5Mac的一个视频讲述了5个较小的改进，虽然不是很显眼，但对于敏锐的视频编辑来说还常有意义的。
例如，在新的Final Cut Pro中发现的一个重要增强功能是应用程序在导出代理时提醒用户的功能。在旧版本的软件中，编辑很容易使用代理错误地导出视频，这可能浪费许多时间和精力。
然而，在最新的更新中，Final Cut Pro X会提醒用户他们是否要导出代理介质，从而使他们不必再返回并通过重新渲染修复这个令人讨厌的错误。
另一个值得注意的新增功能是，由于FCP X与Compressor的集成得到改进，可立即将动画GIF导出。要利用此功能，你需要事先使用Compressor应用程序内部的图像序列格式创建一个新项目。
在“常规属性”下，应将“图像类型”切换为GIF，选择“动画”选项并将“回放”设置为“连续”。此外，不要忘记在“视频”选项卡下将“帧速率”更改为“自动”。完成后，返回到Final Cut Pro并导入刚刚创建的GIF动画设置。这样，你就可以直接从NLE中导出GIF。
此外，在Final Cut Pro 10.4中，你现在可以使用已经存在的源参数轻松创建新项目。只需右键单击浏览器中的剪辑，然后选择新建项目。
Final Cut Pro 10.4中的另一个增强功能是从程序中直接上传到YouTube的身份验证方法。考虑到新的身份验证工作流程使用您系统的默认浏览器，您现在可以毫不费力地登录并验证编辑器与您的YouTube帐户之间的连接。如果您已经在默认浏览器中登录了YouTube帐户，这个过程就特别紧密，这使得共享您的视频内容变得轻而易举。
视频中显示的最后一个功能与以前的功能一样方便和高效。通过按下键盘上的Control + Tab，你可以轻松地在平台上的不同检查器选项卡之间循环，让您在每个调整选项卡之间切换。虽然这是一个非常细微的细节，但是你会发现自己越来越频繁地使用它，因为它可以在你想尽快完成编辑工作流程时派上用场。
如今在很多中小城市，LED大屏已经普及，到处可以看到LED大屏的身影。演艺租赁市场、广告传媒市场、信息引导市场、运动赛事市场、大尺寸电视市场以及特色功能市场等，无论在哪个市场，它都将发挥着它独特的作用。那么LED大屏租赁有那么注意事项呢？企业，商家，店铺在选择LED大屏租赁时候哪些常识需要知晓呢？
1、场地空间条件。无论是室内还是户外的led大屏幕，都要根据用户不同的需求来完成，室内和户外的配置是有所差别的。led大屏幕租赁因为要满足远距离和户外光照的变化，通常在色彩上是要非常明亮的。消费者要了解自身应用屏幕的条件，定制适合的大小、显示画面等。
2、单元模板尺寸。单元模板尺寸是针对室内led大屏幕来说的，准确的准备好符合的单元模板尺寸，在现场进行安装搭建的时候才能工作的顺利进行。
4、最大耗电量。最大耗电量是启动屏幕至极端情况，类似是全亮等操作时的耗电量，这是交流电供电所必须要考虑的因素，所以用户在选择使用led电大屏幕时，要了解过现场是否能够供应合适的电量，平均耗电量一般是最大耗电量的三分之一。
更多有关透明屏、异形屏、灯杆屏、节能屏等各类型LED大屏幕问题以及LED大屏幕选择需要考虑的因素欢迎来电力高传媒!苏州视频拍摄公司-力高传媒以真诚、专业、创新的服务定能达到您的满意。也祝愿大家能到选购到高质量的、合适的全彩LED显示屏，为您的广告宣传加分。
卡罗维发利国际电影节（Karlovy Vary International Film Festival），创办于1946年，是世界上历史最久的电影节之一，也是最早的几个国际A类电影节之一，从第5届起，固定在捷克西部著名的温泉疗养胜地卡罗维发利举办，也是中东欧地区最有影响力的电影节。
1958年至1994年期间，与莫斯科国际电影节交替配合，每两年一届，1994年之后改为每年一届。到2017年，累计举行了52届。
据卡罗维发利国际电影节网站介绍，电影节每年吸引到300名国际导演、制片人和演员带着他们最新作品参与其中，有150部电影参与展映，其中70多部电影将作为世界、国际或欧洲首映，800名参与出席的发行商、销售方和制片人，还有主要来自中东欧地区的700名记者，售出门票有12万张之多。
由于某些历史原因，中国电影从1950年起参加卡罗维发利国际电影节并多次获。卡罗维发利国际电影节也是中国电影最早参加的一个电影节。1988年，中国导演谢晋执导的影片《芙蓉镇》在第26届卡罗维发利国际电影节上获得最高项。这也是目前为止，中国电影唯一一次获得该电影节的最高项。
此外，2007年《图雅的婚事》和《三峡》曾在该电影节展映单元亮相。2008年导演张弛凭借作《地下的天空》入围该电影节主竞赛单元，这也是华语片第二次入围该电影节主竞赛单元，2010年导演张弛又凭借澳门回归10周年的献礼片《奥戈》，再次入围该电影节的主竞赛单元。
卡罗维发利国际电影节于1948年起正式授。最高为“水晶地球仪”，水晶地球仪的杯形状经过了多次改动。最新的水晶地球仪的杯是从2000年开始启用的。
此外还有杰出艺术贡献、电影节、非评审团、普拉多观众等非竞赛单元的项。中国电影及电影人除了可以参与评选单元、纪录片评选单元外，还可以参加部分在非竞赛单元的展映。
如果选择在线上传，链接和密码有效期必须要到2018年6月10日。如果链接或链接在之前被修改，请将最新链接和密码寄送至；
影片提交必须在2018年2月28日之前完成（2018年3月31日视作延迟提交）。如果邮寄DVD，则以截止日期之前的邮戳日期为准；
参赛作品必须在电影节开始日期的12个月之前未通过任何格式在任何地方放映，包括电影节放映、DVD、电视或网络发行；
电影节不接受短于60分钟的短中片。此外，任何纯粹是营销、教育或实验性质的电影都不符合申报资格；
剧情长片不能在2017年9月1日之前在其本国境外放映，包括电影节放映、DVD、电视或网络发行，例如：参赛作品不能在2017年9月1日之前进行国际首映；
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国际电影制片人协会（FIAPF）通常根据电影节的性质，将其分为A、B、C、D四类，即竞赛型非专门类电影节，竞赛型专门类电影节，非竞赛型电影节，纪录片和短片电影节。
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快节奏的城市生活使人们出许多碎片化的时刻，休闲益智类游戏具有简单轻松的游戏内容与不占用时间的优势，因此选择休闲益智类的游戏来打发这些时刻，成为当下众多都市人的习惯，那么适合休闲益智的背景音乐有哪些值得推荐呢？
音乐表达着欢乐与愉快的情绪，合成器用音符创造出一个色彩缤纷的童话世界，劲道十足的军鼓像是刮起的一股青春风暴，听众则身不由己地被卷入了故事与冒险之中。适合Q版、可爱主题的休闲益智类游戏。
尤克里里总与欢乐心情、休闲假日相伴，这次也不例外，音乐的风格散发着充满活力的夏日气息，木琴与打击乐器策划着跳跃的节奏共鸣。椰子树与柔软的细沙，海风的甘甜与和煦的日光，仿佛就被带到了热带的岛屿上，适合海岛主题的休闲益智类音乐。
喜庆味道浓烈的中国风音乐。新年到来之时，家家户户张灯结彩，年货堆满，亲情好友相聚团圆，在麻将等传统的游戏接情谊是最具有年味的事情。适合中式棋牌的休闲益智类游戏。
狂野不羁的打击声掀开了丛林的一幕冒险大戏，律动的节奏感使音乐展现出野性的活力，马林巴轻轻地叙说着丛林的神秘，徘徊的鸟鸣声刻画着临场感。适合丛林、野生主题的休闲益智类游戏。
音乐以两小节的Loop筑造起整首曲子的结构，旋律线条塑造出搞怪滑稽的场景，的鼓节奏像是四处巡逻的小兵小卒，提着刀剑来回踱步，耐心地守护主人的城堡。适合搞怪、主题的休闲益智类游戏。
在科学实验室里，怪异的博士拎着试管操作某项有趣的实验。有趣活泼的像素电子风格，马赛克画面经过搞怪的合成器声音灵活地展现。适合像素画面的休闲益智类游戏。
在赌场四处流淌，财富的近在眼前，运气与分析力同样重要，如何才能成为大赢家？展现自信风采的爵士乐，钢琴难以预料的旋律具备强烈的吸引力，电吉他切分伴奏赋予节奏更多的活力。适合赌博、扑克类型的休闲益智类游戏。
置身于奇妙的幻想时空，无限可能性延伸、发展。舒缓而温暖的电钢琴搭配现代风格的电子鼓，创造出迷人的吸引力，合成器舞动着迷幻色彩，未来与科幻画面一幕幕展现在眼前。适合科幻科技、未来时空主题的休闲益智类游戏。
2003年起，有一块广告牌在街头矗立了五年，这是托米·韦素自编自导自演的影片《房间》的宣传海报。这部电影被为“烂片界的《凯恩》”。
2017年，导演詹姆斯·弗兰科将“烂片”《房间》的拍摄过程改编成《灾难艺术家》搬上银幕，得到了金球评委的青睐，而他本人更是由于片中精彩的演出一举拿下了金球喜剧类最佳男主角。荣耀背后，摄影师布兰登·特罗斯特功不可没。
其实，《房间》的故事很具有传奇性。2009年美国将《房间》当作“电影的教材”，可令人惊讶的是竟然在全球引起了巨大的轰动。观众们成群结队的走进电影院，念着电影里的台词，模仿着电影里的主人公行为，形成了一种独特的“朝圣仪式”，也因此《房间》留名“邪典电影”史，成为其中的佼佼者。（邪典电影，泛指拍摄手法独特、题材诡异、剑走偏锋、风格异常、带有强烈个人观点、富有争议性的作品。通常都是低成本制作，不以市场为主导因素。）
《灾难艺术家》改编自《房间》演员格雷戈·赛斯特罗对当时拍摄过程的回忆录，讲述了格雷戈和导演托米·韦素两个“好基友”闯荡好莱坞的故事以及拍摄这部影史最烂影片的全过程。为了致敬托米·韦素，詹姆斯·弗兰科不仅自导自演，还拉上了弟弟戴夫·弗兰科一起出演。
第75届金球颁典礼（左一：《房间》导演托米·韦素左二：《灾难艺术家》导演詹姆斯·弗兰科 左三：导演弟弟戴夫·弗兰科）
不过，更值得一提的是《灾难艺术家》的摄影，特别是影片中复原的90年代《房间》场景，充满了浓浓的复古质感。
本片摄影师布兰登·特罗斯特专注于小成本制作。在多年的摄影生涯中，积累了大量的小成本影片制作技巧。他拍摄的《灵魂战车2》《怒火之高压电》等诸多影片都是影迷耳熟能详的作品。
《灾难艺术家》中，布兰登将一种现实、的美学应用到了电影视觉上。他说：“这个故事讲述的是托米和格雷戈闯荡好莱坞的故事，要体现的是二人对电影的热情与。为了让这种情绪表现的更为亲密，我参考了《摔跤手》之类的电影，试图用一种”式的手持纪录来完成。”为做到这一点，布兰登在器材上选用了RED EPIC DRAGON 6K摄影机。他解释说：“我需要一个小巧的摄影机，以便我在使用Easyrig（垂直减震器）时可以很方便的进行悬挂。另外，手持拍摄的内容比较多，现场比较乱，我在选用器材的时候还考虑到了线材干扰的问题，RED模块化的机身设计和无线操控的设计就很好的满足了我的需求。一台摄影机，一个镜头，一块电池以及一个调焦器，我可以在Easyrig减震器的辅助下扛着机器拍摄一整天。”
在镜头上，Panavision老式的 C系列镜头也给布兰登带去了灵感。他说，“相比标准镜头，我更喜欢变形，它给影片增加了视野和范围，再配上RED高素质的DRAGON感光器，能够从变形画面的散景特征中捕捉到更浅的景深。我特别迷恋这种感觉，基本上每一个镜头都做了这样的调整。”但是，这些老镜头也有着一些先天的缺陷：开的越大，效果越差。所以在这些C系列的镜头里，他最常使用T2.8 或者T2.8 1/3的，不然效果很差。
为了弥补这一缺陷，他还使用了Panavision的MAP 55（MAPMACROAUTO PANATAR缩写）。这是一支变形微距镜，布兰登用它拍摄了几乎所有的特写。整个《灾难艺术家》几乎都是拿这两支镜头拍的，Panavision老式 C系列镜头负责场景里的大部分大场面镜头，而MAP 55用来拍摄所有的特写。
为了更真实的还原影片中涉及到的一部分《房间》场景，布兰登将EPIC DRAGON的ISO设置为3200，而不是传统的800 ISO基准点。一直控制在T2.8和T2.8 1/3之间。他说：“我喜欢ISO3200时的感觉，这可以让我用更小的进行拍摄，不需要太多的灯具来辅助。另外，ISO3200会让画面稍微失真，画面变得柔和而不至于模糊。虽然调高ISO会增加噪点，但后期调色师道格·德莱尼会在数字中间片上放置一层颗粒，提高黑色素的位准，能够更好的模仿的那种粗躁感。我还喜欢用变形镜头，效果越夸张越好。对于这种类型电影来说，无疑是增加一份质感。”
布兰登还说：“这部电影中最难的部分就是重建《房间》场景，因为整个片子总共才拍了27天，拍摄还原《房间》场景只有两周时间，只能挤出时间拍，每天都火急火燎的。每天的拍摄结束后，我都会给灯光指导发一组《房间》的片段，让他们将灯光变得粗躁一些，然后用笔记本电脑反复播放《房间》，试图将翻拍内容和原版进行同步，虽然没有尽善尽美，但也做到了最大程度的接近。”
在《灾难艺术家》片尾花絮中，原版《房间》里的场景和《灾难艺术家》中重现的场景并排播放，让观众得以进行对比，了解剧组是如何还原场景的，非常有趣。布兰登说：“你可以看到我们是多么用心地去还原细节，在打光方面，我也尝试着仿照原电影的打光方式。比如使用一些较小的老式菲涅尔透镜聚光灯和一些Kino打光灯，可能大家会觉得这很简单，可这是我们所做的最细致的事情。”